Die Filmfotografie ist nicht besser oder schlechter als die Digitalfotografie, es handelt sich einfach um unterschiedliche Werkzeuge, unterschiedliche Verfahren und folglich auch um unterschiedliche Erfahrungen.

Der Unterschied zwischen Film- und Digitalfotografie liegt nicht nur im Prozess des Fotografierens, der Bearbeitung und des Druckens des Fotos, sondern auch in der Betrachtung und Würdigung des Druckergebnisses.

Dank der Technologie können mobile Apps und Computer-Fotobearbeitungsprogramme das Aussehen der Filmfotografie imitieren, aber der Tintenabzug einer Digitalkamera hat nicht das gleiche visuelle Gefühl und die gleiche Erfahrung wie ein optischer Abzug auf Silbergelatine von einem Filmnegativ. Um den Unterschied wirklich zu bemerken und zu erleben, muss man sich natürlich erst daran gewöhnen, sie zu analysieren, denn der Unterschied liegt nicht in etwas, das man auf dem Bild erkennen und mit dem Finger auf jemand anderen zeigen kann; er ist vielmehr etwas, das man mit den Augen wahrnimmt und buchstäblich als Erfahrung empfindet. Das gilt eigentlich für die Erfahrung eines jeden Kunstwerkes. Wir haben nicht die gleiche Erfahrung, wenn wir zum Beispiel ein Gemälde durch einen Bildschirm betrachten, weil wir auf dem Bildschirm nicht auf Leinwand und Tinte schauen - und daher ihre Textur, ihre Masse und ihren Druck nicht spüren können -, sondern wir schauen auf Pixel auf einem flachen Bildschirm. Es ist nicht verwunderlich, dass Menschen, die es gewohnt sind, Kunstwerke zu schätzen, dazu neigen, mehr Zeit damit zu verbringen, sie zu betrachten, als Menschen, die es nicht gewohnt sind; sie sehen und erleben etwas mehr, von dem sie wissen, dass das Kunstwerk es hat.

Einer der offensichtlichsten Unterschiede in der Erlebnisfilm-Fotografie ist der höhere Dynamikbereich von groß- und mittelformatigen Filmnegativen. Je größer das Filmnegativ ist, desto weniger wird der Abzug vergrößert, wenn er gedruckt wird, oder gerafft, wenn er fotografiert wird, wodurch das visuelle Gefühl der Greifbarkeit der Elemente im Bild - der räumliche Abstand zwischen den Elementen im Bild - erhalten bleibt. Mit anderen Worten: Die Elemente im Bild wirken lebendiger, realer, greifbarer und weniger abstrakt. Die Digitalfotografie hat versucht, mit Hilfe der Technologie eine ähnliche Erfahrung wie bei Filmnegativen zu machen, und in einigen Aspekten, wie dem Dynamikumfang, ist ihr dies bis zu einem gewissen Punkt gelungen. Nichtsdestotrotz sehen wir am Ende immer noch nicht dasselbe und erleben somit auch nicht dasselbe, wenn wir Tinte von einem Digitalfoto und Silbergaletten von einem optischen Abzug betrachten.

Der Prozess des Fotografierens ist ein weiterer Aspekt, der die digitale von der Filmfotografie unterscheidet. Dieser Prozess ist nicht nur für den Fotografen von Bedeutung, denn der Prozess ist Teil der Botschaft, und zwar in jeder Kommunikation. Sehen Sie sich die Schauspieler in einem Theater an und vergleichen Sie ihr Spiel mit dem eines Films. Da ein unterschiedlicher Entstehungsprozess ihnen unterschiedliche Erfahrungen vermittelt, wird auch die Art und Weise, wie sie ihre Erfahrungen ausdrücken, unterschiedlich sein. Der Ausdruck des Künstlers ist der Hauptpunkt eines Kunstwerkes, daher ist sein Arbeitsprozess - einschließlich der verwendeten Werkzeuge - für das Verständnis und die Erfahrung eines Kunstwerkes relevant.

Was bedeutet es für mich, mit Filmnegativen zu fotografieren? Es bedeutet Spontaneität in meinem Schaffen und eine größere Verbundenheit mit dem Motiv, das ich fotografiere. Der Grund für beides liegt darin, dass es bei der Filmfotografie keine Bildschirme gibt, auf denen ich das Ergebnis meiner Arbeit sofort überprüfen kann. Ohne die Ablenkung und die Gewissheit eines Bildschirms, der mir das Ergebnis anzeigt, bin ich gezwungen, mich auf meine Sinne zu verlassen und ihnen zu vertrauen, was bedeutet, dass ich meinen Sinnen, meinem Körper, meinen Emotionen, meinen Gefühlen und dem Augenblick mehr Aufmerksamkeit schenke, da ich mit ihnen verbunden bin. Bildschirme und Werkzeugeinstellungen von Digitalkameras lenken von dem ab, was ich fotografiere, und von meiner Erfahrung damit, denn die Aufmerksamkeit richtet sich auf das sofortige Ergebnis, auf die Kontrolle, statt auf die Erfahrung des Augenblicks. Dieses unmittelbare Ergebnis und die Kontrolle töten meiner Erfahrung nach die Spontaneität, und ich mag Spontaneität; sie ist es, wenn die anderen Ichs in mir auftauchen und sich ausdrücken. Das Ergebnis in der Nachricht bedeutet Vertrauen, Ehrlichkeit, Erforschung und Entdeckung.

Fotografen können sich auch bei der Digitalfotografie auf das Motiv, ihre Gefühle und die Erfahrung des Augenblicks konzentrieren, aber da es sich um eine Wahl handelt, ist es sehr schwer, den Fokus beizubehalten, sobald der Fotograf neugierig auf das Ergebnis wird. Unabhängig von der Fähigkeit des Fotografen, mit dem Medium umzugehen, mischt sich das Medium selbst in die Botschaft ein. Farben haben eine Bedeutung und kommunizieren Dinge, ebenso wie das Material eines Werks: Holz, Kunststoff, Keramik usw. Unterschiedliche Medien haben auch unterschiedliche Kapazitäten und Grenzen. Wie McLuhren sagte: "Das Medium ist die Botschaft". Die Entscheidung für die Filmfotografie ist eine Entscheidung für die Kommunikation, die mit der Botschaft zusammenhängt, die der Künstler übermitteln möchte. Ich fotografiere auch mit der Digitalfotografie, aber für andere Arten von Arbeiten.

​This is all to say that film photography is not merely a nostalgia, if it is at all. Choosing between digital and film photography is like choosing between oil and acrylic painting. Oil painting is older technology and acrylic painting has many advantages, such as fast drying. Many painters still prefer to paint with oil painting, not merely for the nostalgia but because it has a different experience than acrylic. This is the reason film photography is alive among artists.

Fotografen haben eine große Outdoor-Kultur. Die meisten Menschen, die sich für Fotografie interessieren, sind in der Regel auch an Outdoor-Aktivitäten interessiert, die sie mit der Fotografie verbinden, z. B. Reisen, Wandern, Sport, Natur, Architektur, Straßenfotografie und so weiter. Kein Wunder, dass die meisten Fotografen und damit auch die meisten Fotos, die wir sehen, Erlebnisse festhalten, vor allem in Zeiten der Selbstdarstellung in den sozialen Medien.

Aufgrund der Tatsache, dass Fotografien das Erscheinungsbild physischer Objekte in der realen Welt festhalten, wurde sie von Menschen populär gemacht, die die Greifbarkeit von Menschen, denen sie sich verbunden fühlen, und von Orten, die sie als Erinnerung aufbewahren wollen, festhalten wollen, und somit Erfahrungen, die mit solchen Erinnerungen verbunden sind. Aber die Fotografie beeinflusste die Menschen nicht allein durch die Registrierung von Berührungspunkten. Die Werbeindustrie nutzte die große Chance, die die Fotografie bot, um das Gefühl der Berührbarkeit von Bildern und Bilderfahrungen zu nutzen, um die Menschen dazu zu bringen, solche Objekte und Erfahrungen, die sie auf Bildern sehen, zu fühlen und zu begehren. Seitdem sind Werbebilder überall, wo wir hingehen, auch in unseren Wohnungen durch Bildschirme. Wir sind alle sehr stark beeinflusst und haben unser Sehvermögen an die greifbare Werbesprache angepasst.

Diese visuelle Sprache der Werbung ist so einflussreich, dass die meisten Menschen, einschließlich der meisten Fotografen, diese Sprache als Referenz für die Qualität der Fotografie verwenden, wobei viele Menschen versuchen, die Technik der Werbebilder zu erlernen und zu kopieren, diese Sprache zu kopieren und sich als geschickte Fotografen zu präsentieren.

Die durch das Coronavirus verursachte Abriegelung und soziale Distanzierung veranlasste viele Fotografen dazu, ihre innovativen, kreativen Ideen und Anleitungen zum Fotografieren auszutauschen, ohne das Haus zu verlassen, als ob das Fotografieren in Innenräumen etwas Ungewöhnliches wäre. Schließlich sind die meisten Fotografen auf der Suche nach neuen Orten in der Welt und neuen Erfahrungen an solchen Orten, in der Erwartung, das Neue, das Ungewöhnliche oder einfach die Erfahrung zu machen. Die guten Fotos werden oft damit assoziiert, wie gut" ein Ort ist oder wie gut die Erfahrung ist, die das Aussehen des Objekts, seine Greifbarkeit, suggeriert.

Ich habe das Gefühl, dass die [visuelle] Kultur der Fotografie auf ihrem materialistischen und technischen Weg viel verloren hat. Trotz des künstlerischen Gefühls der Tätigkeit scheint es, dass die meisten Fotografen das Künstlerischste, was man haben kann, verloren haben (oder es fehlt ihnen): die abstrakte Vision.

"Was die größten Geister letztlich in der Kunst gesucht haben, ist Wissen, ein wahres und metaphysisches Wissen, das in der Lage ist, über die äußere Erscheinung der Phänomene hinauszugehen, um uns zu ihrem innersten Wesen zu führen". - Das Unsichtbare sehen bei Kandinsky" von Michel Henry.

Viele der größten Fotografen der Vergangenheit mussten nicht über ihren Hof hinausgehen, um unendliche Inspiration zu finden. Helmut Newton sagte einmal, er könne immer den perfekten Ort und die perfekte Inspiration gleich um die Ecke finden. Georgio Morandi verbrachte Jahre damit, nichts als Flaschen auf einfarbigem Hintergrund zu malen. Aber wie kann man so viele Inspirationen finden und an einem einzigen Ort oder sogar mit einer einzigen Art von Objekt und Thema so produktiv sein? Die Antwort ist die abstrakte Vision. Während die meisten Menschen in Morandis Gemälden nur endlose Flaschen sehen konnten, sah er die reichen Landschaften seiner Heimatstadt.

Wenn wir über das Erscheinungsbild und die Greifbarkeit von Objekten hinausschauen, entdecken wir eine neue und weite Welt. Mit meinen Standbildern habe ich die menschlichen Gefühle und Laster fotografiert, indem ich nur Flaschen, Lebensmittel, Kerzen und Masken benutzte; so ziemlich die gleichen Objekte für Hunderte von Fotos, wobei ich nur mit Licht und Komposition arbeitete, um neue Szenen, Erzählungen und Gefühle zu schaffen. Dasselbe gilt für die Selbstporträts, die ich in einer einzigen Ecke meiner Wohnung gemacht habe, wobei ich dieselben wenigen Objekte und meine Körperkomposition verwendet habe, um Hunderte von Ausdrucksformen in Fotografien zu schaffen.

Es scheint, dass die Fotokultur die Fotografie wiederentdecken und zur Abstraktion zurückkehren muss, damit die Fotografen entdecken können, dass sie nicht weit gehen müssen, um Inspiration zu finden, um produktiv zu sein und das Beste aus ihrer Tätigkeit zu machen. Es fängt damit an, dass man sich zuerst an der eigenen Vision erfreut, bevor man in den Sucher schaut, um herauszufinden, wie die Dinge aus der mechanischen Sicht der Kameras aussehen.​

Es ist in Ordnung, wenn das Durchschnittspublikum die Bedeutung einiger Fotografien kritisiert oder nicht versteht, aber es ist seltsam, wenn diejenigen, die sich eigentlich mit Fotografien oder der Bildsprache auskennen sollten, die ästhetische Bedeutung einer guten Aktdarstellung nicht erkennen.

"Ist Nacktheit notwendig?", fragte ein Fotograf. "Ich denke, man kann ein Foto auch ohne nacktes Modell ansprechend gestalten", sagte er.

Es gibt viele Arten von Aktfotos. Einige sollen sexuell ansprechend sein, andere nicht. Es ist in der Tat viel einfacher, eine Frau sexuell ansprechend zu machen, wenn sie Accessoires und Kleidung trägt, die dazu beitragen, ihre Körpermerkmale hervorzuheben, als sie rein nackt darzustellen, die sich nur auf Posen und ihre tatsächliche Körperform verlassen kann, um ihre Körpermerkmale hervorzuheben.

Alles in einer visuellen Darstellung hat eine Bedeutung. Anhand eines bekleideten Modells kann man die Epoche, den Geschmack, das Alter, die Kultur, die soziale Schicht und sogar die Persönlichkeit der fotografierten Person oder der Person, die der Fotograf darzustellen versucht, allein anhand der Kleidung erkennen oder zumindest erahnen. Dasselbe gilt für das Make-up, den Standort und die Gesten.

Wenn man sich nur auf die Körperform, die Textur und den Ausdruck konzentrieren will, wird alles andere zu einem Geräusch oder einer Ablenkung. Sogar Farben geben in vielen Fällen Bedeutungen und werden zur Ablenkung, wenn man sich auf Formen und Textur konzentrieren will. Deshalb sind Schwarz-Weiß-Bilder oft notwendig, ebenso wie Aktbilder.

Ich meine nicht, dass Werke, die sich auf Körperausdruck und Formen konzentrieren, nackt sein müssen. Es gibt viele Möglichkeiten, dies mit entsprechender Kleidung zu tun. Aber mit Kleidung wird es nicht möglich sein, die volle und natürliche Form und Beschaffenheit des Körpers darzustellen und zu würdigen.

Das bedeutet auch nicht, dass es sich um einen Ganzkörper-Frontalakt handeln muss, denn auch Frontalakte sind oft eine Ablenkung, je nach dem Grad der Wertschätzung, dem Thema und der Art der Darstellung. Für diejenigen, die nicht daran gewöhnt sind, wird es eine Ablenkung sein.

Mit anderen Worten, nicht alle Akt- oder sogar Frontalaktdarstellungen sind erotisch oder pornografisch. Wir können auch sicher sein, dass wir in unserem täglichen Leben überall erotische und sogar pornografische Bilder sehen, die uns durch Werbung im Fernsehen, in Zeitschriften und auf Plakatwänden suggerieren, dass sie scheinbar Dienstleistungen und Produkte verkaufen, aber in Wirklichkeit verkaufen sie einen Lebensstil, der auch idealisierte sexuelle Anziehung und sexuelle Macht beinhaltet. Oft ist es zu eindeutig, um wahr zu sein, also akzeptieren wir es oder ignorieren es einfach.